Январь 2020 — Про гравюры

Предствялем вашему вниманию одну из красивых легенд про Мосты Петербурга и город Санкт-Петербург. Пришло время прогуляться по городу и загадать желания.

Северную столицу России сложно представить без величественных мостов и красивых набережных. В черте города в сумме насчитывается 93 рек, рукавов, протоков и каналов. Общая длина составляет более 300 километров. Более 800 мостов, в том числе 218 пешеходных моста перекинуто через 100 водоёмов (озёр, прудов, искусственных водоёмов).

На набережной, у пересечения Крюкова канала и канала Грибоедова можно найти уникальное место, где взору открываются сразу семь мостов - знаменитое Семимостье. Чтобы его увидеть, нужно встать на Пикалов мост так, чтобы Никольский собор оказался по левую руку, впереди будет Красногвардейский мост.
Существует легенда, что желание загаданное в момент, когда человек смотрит на мосты, непременно сбудется во всех деталях!

Гравюры с мостами Санкт-Петербурга, мосты Петербурга

На сайте theartshop.ru вы можете приобрести уникальные авторские гравюры с мостами Санкт-Петербурга, в разделе ГРАВЮРЫ представлено более 37 гравюр выполненных в различных техниках печатной графики отображающих старинные и современные мосты города на Неве.

Погрузившись в историю можно узнать много интересных легенд про Санкт-Петербург, события связанные с городом, его здания и жителей города.

Пикалов мост в Санкт-Петербурге

Пикалов мост — мост через канал Грибоедова в Адмиралтейском районе Санкт-Петербурга, соединяет Коломенский и Покровский острова. С Красногвардейским мостом и Старо-Никольским мостом образует единый архитектурный ансамбль. Является памятником архитектуры и мостостроительного искусства XVIII в.

Название Пикалова моста

Название известно с 1798 года и происходит от фамилии подрядчика строительных работ Пикалова. В конце XVIII в. существовало также название Перешивкин мост, поскольку рядом находился Перешивкин питейный дом. После 1812 года за мостом окончательно закрепилось современное наименование.

Расположение Пикалова моста

Расположен при слиянии канала Грибоедова и канала Крюкова, вдоль нечётной (западной) набережной Крюкова канала между домами № 19 и № 21. Рядом с мостом расположены Никольский рынок и Никольский собор. С моста открывается живописный вид на Никольский морской собор и семь окрестных мостов: Могилёвский, Красногвардейский, Ново-Никольский мосты через канал Грибоедова и Смежный, Старо-Никольский, Кашин и Торговый мосты через Крюков канал. Выше по течению находится Красногвардейский мост, ниже — Могилёвский мост. Ближайшая станция метрополитена (1,3 км) — «Садовая»/

История Пикалова моста

В 1783—1785 гг. при сооружении гранитных набережных был построен мост по типовому проекту, разработанному для мостов Крюкова канала и нижнего течения Екатерининского канала: деревянный трёхпролетный, на бутовых, облицованных гранитом опорах, с разводным средним пролётом. Автор проекта не установлен. Из трех мостов, построенных одновременно (Пикалов, Мало-Калинкин, Аларчин), только Пикалов мост сохранил облик, близкий к первоначальному. Во второй половине XIX в. разводной пролёт заменили постоянным. В 1905 году деревянные балки были заменены металлическими клепаными неразрезной системы. Работы производились под надзором инженера П. А. Лихачева. В 1953 г. по проекту архитектора А. Л. Ротача восстановлены кронштейны с овальными фонарями типа «Вашингтон», а в 1969 году — позолота «шишек» на гранитных обелисках, В 1982—1984 гг. мост капитально отремонтировали по проекту инженеров Л. Н. Соболева и Р. Р. Шипова. В ходе работ были усилены свайные основания опор и устоев; заново переложено тело устоев и опор с восстановлением гранитной облицовки; металлическое трехпролетное неразрезное строение заменено на железобетонное плитное балочно-разрезной системы. Исторический облик и конструктивные особенности моста были сохранены. В 1993 г. были воссозданы овальные фонари типа «Вашингтон».

Конструкция Пикалова моста

Мост трёхпролётный железобетонный, балочный. Пролётное строение состоит из железобетонных плит. Устои и промежуточные опоры бутовой кладки на свайном основании с массивной гранитной облицовкой. Фасады пролетного строения облицованы металлическим листом. Длина моста: 22,8 (25,0) м, ширина — 10,6 м. Мост предназначен для движения автотранспорта и пешеходов. Проезжая часть моста включает в себя 2 полосы для движения автотранспорта. Покрытие проезжей части и тротуаров — асфальтобетон, на примыкании к набережным на тротуарах уложены гранитные плиты. Тротуары отделены от проезжей части высоким гранитным парапетом. Перильное ограждение металлическое простого рисунка, состоит из горизонтальных стальных прутов, укреплённых на чугунных столбиках. На боковых закруглениях средних опор за пределами пролётного строения установлены гранитные обелиски на фигурных пьедесталах, завершенные золочеными «шишками». На обелисках установлены овальные фонари типа «Вашингтон».

Собственно городских мостов насчитывается больше 342. Остальные мосты располагаются в пригородах Санкт-Петербурга

Кронштадт — 5, г. Пушкин (Царское Село) — 54, г. Петергоф — 51, Павловск — 16, Ломоносов (Ораниенбаум) — 7) Из них 21 мост был разводной по состоянию на начало 2008 год, к лету 2008 их стало 13 (для разводных мостов в скобках указано традиционное время разводки в период регулярной навигации).

• Самый длинный мост — Большой Обуховский (вантовый) мост через Неву (полная длина мостового перехода — 2824 метра).
• Самый длинный разводной мост — Александра Невского через Неву (длина без береговых сооружений 629 м, вместе с пандусами — 905,7 м).
• Самый широкий мост — Синий мост на реке Мойке (97,3 метра).
• Первый наплавной мост через Неву (между и 1-м Адмиралтейским островом) — Исаакиевский 1727 года (тогда Невский).
• Первый постоянный мост через Неву (между и 2-м Адмиралтейским островом) — Благовещенский 1850 года.

В данный список включены существующие постоянные мосты над водными поверхностями в границах города федерального значения Санкт-Петербурга. По умолчанию, мосты расположены по протокам, которые они пересекают, в порядке от истока к устью.

Стоит отметить, что в XX веке гравюра утратила утилитарное репродукционное значение, но благодаря разнообразию выразительных средств различных техник ГРАВЮРА сохранила художественное значение.

ГРАВЮРА - (французский gravure, от graver - вырезать), вид печатной графики, печатный оттиск на бумаге (или на сходном материале) с пластины («доски»), на которую нанесится изображение посредством ручного или механического гравирования.

Специфика гравюры заключается в её тиражности (возможности получать множество идентичных оттисков) и особой стилистике, обусловленной техникой обработки печатной формы. По назначению гравюра подразделяется на станковую (эстамп), книжную и прикладную (экслибрис и др.). Различают гравюру авторскую и репродукционную (воспроизводящую произведения живописи или рисунки). Гравюра бывает цветная и чёрно-белая (тоновая), последняя иногда раскрашивается вручную акварелью. гравюры могут объединяться в папки, альбомы, иногда переплетаться.

Способы обработки печатной формы (клише), с которой производится оттиск, могут быть: механическими - с использованием усовершенствованных стальных инструментов (гладилка, гранильник, гратуар, гравировальная игла, качалка, матуар, пуансон, рулетка, стипль, шабер, штихель и др.) - резцовая гравюра, меццо-тинто, сухая игла;
химическими - с применением азотной кислоты - акватинта, лавис, литография, мягкий лак, резерваж. Механические и химические способы подготовки доски нередко сочетаются (офорт, карандашная манера, травленый штрих, пунктирная манера).

Материал печатной доски или формы

По материалу печатной доски различаются: гравюры на металле (меди, цинке, стали, олове); гравюры на дереве (ксилография) - обрезная, или продольная (для неё применяются мягкие породы, например липа, груша), и торцовая (твёрдые сорта: берёза, бук, самшит, пальма); гравюры на линолеуме (линогравюра). С XX века используются также картон, пластмасса, оргстекло.

При исполнении гравюры сначала грунтуется доска, на которую осуществляется перевод подготовительного рисунка с бумаги, затем происходит гравирование (посредством инструментов или травления) и, наконец, печать. В зависимости от того, какие части доски покрываются краской для печати, различают выпуклую (высокую), углублённую (глубокую) и плоскую гравюры. При изготовлении выпуклой гравюры краска на клише накатывается валиком, после чего к нему прессом (иногда валиком, косточкой) равномерно прижимается бумага, воспринимающая краску. В углублённой гравюре краска набивается тампонами в углубления, и доска с наложенной влажной бумагой прокатывается между валами офортного станка. При изготовлении плоской гравюры (литография) печатная форма смачивается водой, и накатываемая валиком краска попадает лишь на обработанные водоотталкивающим веществом участки - печатающие элементы, после чего под давлением изображение переносится на бумагу.

Исторический очерк

Гравюра впервые появилась в Китае в VI веке нашей эры, её происхождение было вызвано потребностью в дешёвом тиражировании различных текстов, плакатов и отдельных изображений. Развитие техники гравюры связано с художественными ремёслами (резьба по дереву, набойка, ювелирное, оружейное дело и тому подобное). История европейской гравюры тесно связана с историей книгопечатания, её распространению способствовало появление дешёвой бумаги в XIV веке. В Европе первые гравюры (религиозные, сатирические и аллегорические листы, азбуки, календари, игральные и географические карты, листовки, индульгенции, иконные образы и др.) появились на рубеже XIV и XV веков в Германии и были выполнены в технике ксилографии. Около 1430 года возникли «блочные» ксилографированные книги, где изображение и текст вырезались на одной доске: так началось развитие многотиражной и иллюстративной ксилографии. Около 1461 года в Германии была напечатана первая наборная книга, иллюстрированная гравюра на дереве (с тех пор иллюстрирование стало одной из главных сфер применения гравюры).

Художественные возможности ксилографии (выразительность линий и контурного рисунка) с наибольшей полнотой раскрыли мастера немецкого Возрождения: А. Дюрер и М. Вольгемут. К концу XV века развилась книжная гравюра в Италии (основной центр - Венеция).

Цветная ксилография (кьяроскуро) впервые выполнена Л. Кранахом Старшим в Германии, но широкое распространение получила в Италии, где её в 1516 году запатентовал У. да Карпи. Итальянская кьяроскуро варьирует не разные цвета, а градации одного и того же тона, её выразительность основана не на линии, а на пятне и контрастах света и тени. Резцовая гравюра на металле возникла в 1440-х годах в Южной Германии или Швейцарии («Мастер игральных карт»); генетически она связана с ювелирным искусством. От ксилографии её отличают более тонкая линия, разнообразная штриховка, дающая возможность детальной моделировки. Выдающимся мастером этой техники в XV веке был М. Шонгауэр. В Италии А. дель Поллайоло и А. Мантенья применяли параллельную и перекрёстную штриховку, добиваясь впечатления рельефности и монументальности форм. А. Дюрер сочетал характерную для немецкой гравюры ювелирную точность штриха с итальянской пластичностью образов; тонкостью резьбы отличается серия ксилографий по рисункам Х. Хольбейна Младшего «Пляска смерти» (1538 год), гравированных Х. Лютцельбургером. Во Франции книги иллюстрировались выпуклыми гравюрами на металле. В начале XVI века М. Раймонди (Италия) применил гравюру резцом для репродуцирования живописи; оригинальные резцовые гравюры создавали Лука Лейденский (Нидерланды) и Ж. Дюве (Франция).

В XVII-XVIII веках значительно расширилась сфера применения гравюры: иллюстрировались географические, анатомические и ботанические атласы, книги; наряду с картиной гравюра становится средством украшения интерьера; дешевизна сделала её наиболее подходящей техникой для художественной публицистики (лубок времён Великой французской революции, сатирические серии У. Хогарта в Англии). Возросла потребность в репродукционной графике. Наряду с резцовой гравюрой (П. Саутман, Л. Ворстерман, П. Понтиус во Фландрии; К. Меллан, Р. Нантёй во Франции) развиваются техники, упрощающие процесс гравирования: меццотинто и пунктир (Дж. Р. Смит и Ф. Бартолоцци в Англии); акватинта, лавис и карандашная манера (Ж. Б. Лепренс, Ж. Ш. Франсуа и Ж. Демарто во Франции). Оперирующие пятном и тональными отношениями, эти техники обладали высокими декоративными качествами и были хорошо приспособлены для воспроизведения живописи и рисунка. Резцовая гравюра и офорт выступают часто в сочетании (жанровые сцены Д. Ходовецкого - в Германии). Около 1780-х годов Т. Бьюиком путём усовершенствования ксилографии была создана торцовая гравюра, расширившая возможности гравюры на дереве благодаря введению тональных переходов. В XIX веке торцовая гравюра стала широко применяться для книжной иллюстрации (гравюры Доре во Франции, А. фон Менцель в Германии). В конце XVIII века А. Зенефельдером (Германия) была изобретена техника литографии, которая в XIX-XX веках получила широкое распространение как сравнительно дешёвая и простая.

Репродукционные техники печати

В противоположность репродукционным техникам развивается офорт - одна из наиболее гибких техник гравюры, позволяющая фиксировать непосредственные впечатления и добиваться живописных эффектов. Впервые выполненный Д. Хопфером (Германия) в начале XVI века офорт быстро распространился (А. Дюрер, А. Альтдорфер в Германии; У. Граф в Швейцарии; Ф. Пармиджанино в Италии). Гравюра занимала важное место в творчестве многих выдающихся живописцев и рисовальщиков XVII-XVIII века, которые преодолевали механическую природу гравюры, придавая ей импровизационность и индивидуальность, сближая гравюру с рисунком. Ж. Калло обогатил офорт повторным травлением, благодаря которому усиливались разнообразие и мягкость переходов, соответствовавшие гротескному трагизму его жанровых сцен. Х. Сегерс, стремясь расширить цветовой диапазон офорта, экспериментировал с цветной печатью. Искусство офорта достигло вершины в творчестве Рембрандта, который динамикой штриха, светотеневой полифонией придаёт графике живописный характер. К офорту в XVII веке обращались К. Лоррен (Франция) («идеальные» пейзажи, напоённые светом и воздухом), фламандский живописец А. ван Дейк (психологические портреты аристократов), чешский художник В. Голлар («космически» беспредельные архитектурные пейзажи) и др. Высокого развития офорт достиг в Голландии (анималистические офорты П. Поттера, жанровые - А. ван Остаде, пейзажные - Х. Сегерса и Я. ван Рёйсдала). В XVIII веке к офорту обращались живописцы (Ж. А. Ватто и Ж. О. Фрагонар во Франции). В этой технике А. Каналетто и Дж. Б. Пиранези (Италия) создавали ведуты и каприччио (архитектурные фантазии). В циклах Ф. Гойи сочетание офорта с акватинтой создало новый уровень выразительных возможностей. Романтичная фантазия У. Блейка (Англия) нашла воплощение в выпуклой гравюре на меди, средневековые мотивы «плясок смерти» - в ксилографиях А. Ретеля (Германия). Художественные возможности литографии были осознаны и реализованы в творчестве французских романтиков Т. Жерико, Э. Делакруа и особенно О. Домье, выполнившего около 4 тысяч произведений в этой технике. Оригинальный офорт возродили живописцы, устремлениям к пленэру которых соответствовали возможности этой техники: Э. Дега, К. Коро, Ф. Милле (Франция); Я. Йонгкинд (Нидерланды). К нему обращались также Дж. Уистлер (США), Л. Коринт, М. Либерман (Германия), А. Цорн (Швеция).

В XVII-XIX веках развивается цветная ксилография в Японии, проникшая туда из Китая (где цветная гравюра известна с XVI века). С XVII века в Японии создаются эстампы школы укиё-э [жанрист Хисикава Моропобу, портретист Китагава Утамаро, в XIX веке - пейзажисты Кацусика Хокусай, Утагава Хиросигэ (Андо) и др.]. Японская цветная гравюра оказала значительное влияние на западноевропейскую живопись и гравюру конца XIX - начала XX века, её стилистика использовалась европейскими художниками: П. Гогеном во Франции, Ф. Валлоттоном в Швейцарии и др.

В конце XIX века техники репродукционной гравюры всё больше приближаются к фотомеханической репродукции и постепенно вытесняются ею. С 1890-х годов, утратив прикладное значение, возрождалась оригинальная (в том числе обрезная) ксилография, которая развивалась в рамках стиля модерн: станковая (О. Лепер во Франции) и книжная (У. Моррис в Англии). На рубеже XIX-XX веков к гравюре обращаются как символисты (Дж. Энсор в Бельгии, М. Клингер в Германии), так и реалисты (Т. Стейнлен во Франции, Ф. Брэнгвин в Англии). Ксилография сыграла важную роль в сложении стилистики экспрессионизма (Э. Мунк в Норвегии, Э. Нольде в Германии). Публицистическая страстность характерна для К. Кольвиц (Германия) и Ф. Мазереля (Бельгия), использование традиций народной гравюры - для Х. Г. Посада и художников «Мастерской народной графики» в Мексике. Выразительные возможности линии, штриха и силуэта в гравюры привлекали к ней Пабло Пикассо, А. Матисса, Ж. Руо (Франция), Дж. Моранди (Италия), Р. Кента (США).

Традиционный вид гравюры В России - гравюра на дереве - ксилография распространилась с XVI века благодаря издательской деятельности Ивана Фёдорова, Петра Тимофеевича (Тимофеева) Мстиславеца и др.

С XVII века мастера Оружейной палаты создают гравюры на металле (С. Ф. Ушаков, А. Трухменский, Л. К. Бунин); параллельно развиваются лубок, конклюзия, печатаются «разрешительные грамоты». В 1-й половине XVIII века мастера Гравировальной палаты Академии наук резцом гравируют аллегории, ведуты, баталии, портреты (А. Ф. Зубов, И. А. Соколов, М. И. Махаев, Г. Ф. Шмидт).

Во 2-й половине XVIII - начале XIX века преподаватели, выпускники гравировального класса петербургской Академии Художеств и её члены создают шедевры портретной (Е. П. Чемесов, Н. И. Уткин), пейзажной и книжной (С. Ф. Галактионов, А. Г. Ухтомский, И. В. и К. В. Ческие), резцовой и пунктирной гравюры (Г. И. Скородумов), применяют меццо-тинто (И. А. Селиванов) и лавис (Н. А. Львов, А. Н. Оленин).

К офорту обращались архитекторы, скульпторы, живописцы (А. Г. Венецианов, О.А. Кипренский); в офорте создаются карикатуры (И. А. Иванов, И. И. Теребенёв). Гравюру очерком (линеарную) использовал Ф. П. Толстой. Архитектурные пейзажи литографировали А. Е. Мартынов, П. С. Иванов. В XIX веке преобладала репродукционная гравюра: торцовая на дереве с 1825 года (Е. Е. Бернардский, К. К. Клодт, Л. А. Серяков), резцовая на металле (Ф.И. Иордан, И. П. Пожалостин), офорт (И. С. Мосолов, Василий Васильевич Матэ).

Оригинальный офорт возродили художники, изместные живописцы (И. Е. Репин, В. А. Серов, Т. Г. Шевченко, И. И. Шишкин).

По инициативе гравёра Л. М. Жемчужникова и искусствоведа А. И. Сомова было учреждено Общество русских аквафортистов (1871-1874 годы). На рубеже XX века начинается расцвет авторской ксилографии (В. Д. Фалилеев, А. П. Остроумова-Лебедева) и линогравюры (В. И. Козлинский, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова). Возрождается гравюра резцом (Д. И. Митрохин), традиции реалистической гравюры на дереве продолжает И. Н. Павлов, классицистической - П. А. Шиллинговский. В торцовой гравюре в 1910-1920-х годах работали Н. Н. Купреянов, А. И. Кравченко, П. Я. Павлинов, В. А. Фаворский и художники его школы - А. Д. Гончаров, Ф. Д. Константинов, М. И. Пиков и др., во 2-й половине XX века - Д. С. Бисти, И. В. Голицын, Г. Ф. Захаров. Офорт XX века представлен работами Е. С. Кругликовой, И. И. Нивинского, С. М. Никиреева, Б. Ф. Французова. Значительного развития достигла литография (Г. С. Верейский, Н. А. Тырса, Е. И. Чарушин). С середины XX века распространилась серийная линогравюра, тяготеющая к экспрессивной обобщённости формы, - тоновая (А. А. Ушин) и цветная (В. Е. Попков, В. Г. Старов).